Picture poems, collages, comics? Mita Mahato’s works cannot be easily assigned to a specific, defined category. And that is exactly what makes the examination of her works so exciting. Interspaces of great attraction emerge beyond the topics dealt with in the content. Mita describes herself as a poetry comix artist. She lives and works in Seattle. In international workshops she explores the boundaries between poetry and comics with participants. Her work has won many awards, including her collection of poetry comix “In Between” as part of “The Best American Comics: Notable Comics of 2019” list. I was able to speak with Mita about the genre of poetry comix, creating in-between spaces, and navigating crises. An interview thoughtfully accompanied by chirpy birdsong.

In your artistic work you move in an exciting way between the genres of collage, comic and a lot of poetry. You describe your work accordingly as “poetry comix”. Bring us a little closer to this form.

I like your way of asking what poetry comix are so that we’re not trying to define the form, but rather get closer to it. I have a hard time explaining poetry comics because it’s a hybrid form and if you look at the work of artists and writers who are making them, there are so many possible approaches—so many ways to draw on poetic, cartooning, and visual art traditions to address a range of issues and experiences. One quality that poetry comics have in common is this hybrid state; the form invites a dialogue between different ways of representing something. Bringing together word and image is a common example. But a poetry comic can also play with the different textures of collaged papers; or it could combine the softness of watercolor with the boldness of sharpie marker; it could draw or paint a sonnet or use word balloons to organize the lines of a sestina. → Naoko Fujimoto often uses origami papers to make beautifully layered visual poems that are inspired by Japanese Emaki picture scrolls; → Johnny Damm‘s pages seem coherent at first glance because of the consistent style of the old comic books that he collages, but there’s a subtle disconnect between the words and images he brings together that makes the content all the more disturbing; → Dev Murphy uses painstaking line-work to create beautifully elaborate images from which words seem to emerge organically, even as they refer to something not located on the page. I could name so many others. But whatever shape the signifiers have on the page, there is a careful dance that develops between them, making the page feel kinetic and in motion. I’m drawn to that unsettled rumbling because it prompts readers to question and wonder; they might connect with something in a way that they hadn’t before.

Of course, I find exactly these in-between spaces that you explore interesting. For myself, the concept of the in-between space is also a productive one, and I keep paraphrasing my work as drawings “between the lines”. One of your books is titled “In Between”. What themes do you explore in it? What (thematic) in-between are you exploring?

All the poems in “In Between” address themes of loss. My comics practice started with the death of my mother (as in the poem “September”) and now largely focus on loss associated with climate crisis (as in the series “The Extinction Limericks”). Like you say, being “in between” can be productive and generative—and I think that understanding grief as an ongoing experience of transition rather than something that you can quickly get over is important, especially if we are to approach the continuing losses related to climate change with care, understanding, and hope. When I came up with the title for “In Between”, I was thinking about what we call the “gutter” in the comics medium—that space between the panels where the magic happens. It’s a space that reaches out to the reader and asks “what goes here?” What is the relationship between one panel and the next? What is the relationship between this image and that image or word? The medium of comics activates a reader’s involvement and imagination, inviting them to be part of the world-building and meaning-making of the piece. I never want my readers to be in a rush to come up with those connections and then to move on. I want them to find themselves in the “in between” and to navigate the page from this indeterminate space of uncertainty and possibility. Using collage and cut paper allows me to construct additional spaces for this “in-betweenness”. For example, when you’re layering papers to make your images, there is an in-between under or beneath the visible papers that is obscured from the reader. In collaging old papers, there are also contexts that are only hinted at in the scraps you choose to use. As a result, something feels missing or haunting and your usual strategies of making connections between words and images feel inadequate. You have to let go of needing all the information and find new ways to make connections. 

A few days ago I stumbled again across the collage poems of the German Nobel laureate in literature Herta Müller. She once said that she wrote poetry with scissors. Above all, I found it interesting that she spoke of how this way of working allowed her a particularly sensual access to the words, since she had to touch each word individually. How would you describe your working process? Does it also have this sensual component for you?

“Sensual access” is a great phrase and I do feel a type of intimacy with the papers that I use. I often find myself holding paper between my fingers and getting a feel for its texture and weight. In cutting delicate tissue or handmade paper, I try to get a sense of the fibers and how the paper wants to be cut so that it won’t just tear in the process. Being aware of how my scalpel is relating to the paper—what sounds it makes as it cuts or if it’s snagging or needing more pressure—gives me a sense of whether the blade is dulling and needs to be changed. There’s something important that happens when I give space for my materials to “speak” to me; it might not give me a whole story, but I start to wonder where this paper came from. How much water was used? What trees or plants were you? Who were the workers who gathered you? From where? The process can feel meditative; time slows and sometimes I start thinking less about whatever preconceived idea I may have had and more about how the pieces in front of me puzzle together in more spontaneous ways.  Even when I do have a very precise template or sketch that I’m working with, the papers I’m using will often offer a revision—like I won’t be able to find the color I had hoped to use or I’ll see another word that fits better. I remain curious about what it means to make space for our materials to exercise agency on us. There are so many conversations occurring now about the importance of being “in relation” with the nonhuman world—and that includes with land and water. Art practices (I include my own) can be so extractive and it’s so important to think about what it means to be in relation with the materials we use.  

 

When you have themes or motifs in mind do you tend to think in terms of comics or poetry structures?
In other words, what makes the liaison so productive for you?

Those are really great questions. It’s difficult for me to split poetry and comics in my creative practice as they are so entangled and integrated in my brain. There was a long period when I identified more as a comics artist than as a poet, but now I see that my comics-making process has always been informed by my training in literary analysis and my long love of poetry. I used to teach a class that introduced students to poetry analysis and many of them hated it at first. Poems felt personal to them, regardless of what they were about or how they were written—like no one could challenge their subjective response because that’s just how the poem made them feel. But as we persisted with looking closer and closer at how a poem’s words were ordered, and why end the line there, and how strange to have all those “s” sounds, I can’t tell you how much delight it gave me as I saw their aggravation shift to fascination and they realized that they could keep their experience of the poem, but also enrich it, stretch it, or have it sit next to another understanding. It was so much fun to apply similar strategies to other forms, including comics. We could talk about “visual rhyme” or discuss the differences and similarities between the gutter in a comic and a stanza or line break in a poem. And I love the experimentation that these kinds of multi-form conversations can inspire—so it’s not about adhering to what tradition has described are the proper elements of a sonnet or why a one-panel image is or isn’t a comic, but more about what forms of expression suit the question or emotion or experience you’re conveying. It also alerts us to poetic traditions that were already experimenting in graphic forms  (I’m thinking here of concrete poetry) and comics artists who were already structuring their work poetically well before the term “poetry comix” came into use. That is a long way of saying that, regardless of theme or motif, the liaison between poetry and comics is so productive for me because it ultimately is about play and seeing what happens when we acknowledge that boundaries and categories and the traditions we associate with them are messy and we can mess with them further. This meddling doesn’t always need to be subversive or violent—it can be a form of honoring or expanding. In either case, I get so much joy out of the chance to see in new ways through creative play. 

Let’s return briefly to the term “poetry comix”. I read the “x” as a deliberate deviation or disturbance. What is the “x” for you?

I like to use “comix” because it contains the word “mix” and acts as a reference to the medium’s mixing of word and image. In the United States, underground comix artists of the 1960s and 70s deployed this meaning, too. Given my mixing of media, the spelling seems fitting.There is deviation and disturbance, too. Those earlier underground cartoonists also used the word “comix” as a way to distinguish their work from mainstream comics, as well as to acknowledge their “adult” themes and content. And using the word “comix” continues to be one way to signal that your approach is at the margins—that it shares ideas, perspectives, or forms that don’t have a foothold in mainstream channels. As the comics medium and all its variations continue to be accepted within the broader publishing industry and, too, as the work of artists like R Crumb or Art Spiegelman find an audience within elite museum spaces, what deviance looks like will have to continue to shift. Perhaps the “x” offers one way that some artists can identify their deviance if they choose to use it. Of course, since Elon Musk has now commandeered the “X”, maybe we’ll have to find another letter or symbol?

Take us with you a little bit into your creative everyday life. Where can you be especially creative?

I just submitted the manuscript for my next book → Arctic Play (forthcoming from The 3rd Thing in 2024!) and so my everyday creative life feels a little amorphous at the moment. There was such a rhythm and reliability in my art practice in relation to that book—a fairly clear vision of what needed to be done that had developed over the years that I had been working on it. There are still edits to be completed on the book and I am very excited to go on tour and share it with readers when that time comes (that is, the process of that project still continues). But it’s more of an adjustment than I expected to go from the structure of a book to the open space of “what’s next?”. I am making a few beginnings—trying new materials and new approaches, as well as developing new collaborations. It’s an exciting time. 
I think where I’m most creative is actually away from my studio. I love being outside, hiking through forests, in the mountains, away from the city. Opening my senses to places and forms of life that are operating on different timescales and communicating in ways that are inscrutable to me is vital to my creative practice and the causes that I care about. I try to bring that humbling “opening up” back with me—not only to my drawing table, but also to my day-to-day interactions and understandings. More and more I’m seeing how it’s just as vital to locate this “opening up” in places that are noisy, congested, “tamed”—that don’t seem as “natural”, but still hum with alternate ways of being in and connecting with the land. 

What are your inspirations? Books? Poems? Who would you call your spiritual creative family, if there is such a thing?

Ooh I have a very extensive creative family tree. I was recently preparing for a presentation that included sharing some of my lifelong creative inspirations and I reread some passages from books that were old favorites. I was surprised by how much they still correspond to my current practice. All of these texts that we encounter throughout our lives remain woven with our being. To keep this answer on the shorter side, though, I’ll just share a few recent inspirations and aspirations that are front of mind. They are works that, for different reasons, have been soothing to my psychic aches and anxieties: Jorie Graham’s most recent collection of poetry “To 2040”; W.G. Sebald’s novel-memoir “Rings of Saturn”; Nam June Paik’s video work; and the films of Apichatpong Weerasethakul. 

At the very end I want to ask you the question: To which song should everyone have drawn once or, in your case, poem “with scissors and pencil”?

I am going to be difficult, but I give this answer with all sincerity: birdsong. I stayed in Delmenhorst, Germany for about four months earlier this year for an artist fellowship. The winter was so dark, and often rainy and windy. But every morning—and really, most times of the day or night if you stopped to listen—the birds were singing with so much exuberance and what appeared to be glee that you couldn’t help but melt into their sounds. I once learned that a songbird’s anatomy enables it to produce more than one sound at a time. Amazing! And hearing the cacophony of so many different birds together—blackbirds, robins, chaffinches, wrens, woodpeckers, the list goes on—reminded me that communication is so expansive, important, beautiful. My fellowship project was centered on marine biodiversity—nothing to do with birds. But the reliable and soothing company of birdsong became such an integral part of the creative process on the project. What would it be like for our art and writing to be that layered, that harmonious, that cacophonous, that loud?

Thank you dear Mita for this so open and inspiring insight into your work. And dear Mita, in this case I would like to give you a song that I had in my head during the whole interview: Cosmo Sheldrake, Cuckoo Song on the album Wake Up Calls.

Learn more about Mita´s work on her → website or instagram → @mita_mahato. Or click here for → “Alligator Gut”.

Credits: Mita Mahato

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Bildgedichte, Collagen, Comics? Die Arbeiten von Mita Mahato lassen sich gar nicht so einfach einer bestimmten, definierten Kategorie zuordnen. Und genau das macht die Auseinandersetzung mit ihren Werken es so spannend. Es entstehen jenseits der inhaltlich behandelten Themen Zwischenräume von großen Zugkraft. Mita bezeichnet sich selbst als Poetry Comix Artist. Sie lebt und arbeitet in Seattle. In internationalen Workshops erkundet sie mit Teilnehmer*innen die Gattungsgrenzen zwischen Lyrik und Comic. Ihre Arbeiten wurden vielfach ausgezeichnet, u.a wurde ihre Sammlung von Poetry Comix “In Between” in die Liste „The Best American Comics: Notable Comics of 2019“ aufgenommen. Ich konnte mit Mita über die Gattung Poetry Comix, das Gestalten von Zwischenräume und das Navigieren durch Krisen sprechen. Ein Interview gedanklich begleitet von munterem Vogelgezwitscher. 

In deiner künstlerischen Arbeit bewegst du dich auf spannende Weise zwischen den Genres Collage, Comic und viel Poesie. Entsprechend ordnest Du Deine Arbeit dem Genre der “Poetry Comix” zu. Bringen uns doch diese Form ein wenig näher.

Mir gefällt deine Art zu fragen, was Poetry Comix sind, so dass wir nicht versuchen, die Form zu definieren, sondern uns ihr eher annähern. Es fällt mir schwer, Poetry Comics zu erklären, weil es sich um eine hybride Form handelt, und wenn man sich die Arbeit der Künstler*innen und Autor*innen ansieht, die sie machen, gibt es so viele mögliche Ansätze – so viele Möglichkeiten, auf poetische, zeichnerische und bildnerische Traditionen zurückzugreifen, um eine Reihe von Themen und Erfahrungen zu behandeln. Eine Eigenschaft, die Poesie-Comics gemeinsam haben, ist dieser hybride Zustand; die Form lädt zu einem Dialog zwischen verschiedenen Arten der Darstellung ein. Die Verbindung von Wort und Bild ist ein gängiges Beispiel. Aber ein Poetry-Comic kann auch mit den verschiedenen Texturen von collagiertem Papier spielen oder die Sanftheit von Aquarellfarben mit der Kühnheit von Filzstiften kombinieren; er kann ein Sonett zeichnen oder malen oder die Zeilen einer Sestina mit Sprechblasen gliedern. → Naoko Fujimoto verwendet häufig Origami-Papier, um wunderschön geschichtete visuelle Gedichte zu schaffen, die von japanischen Emaki-Bildrollen inspiriert sind. → Johnny Damms Seiten scheinen auf den ersten Blick kohärent zu sein, weil der Stil der alten Comics, die er collagiert, einheitlich ist, aber es gibt eine subtile Trennung zwischen den Wörtern und Bildern, die er zusammenbringt, die den Inhalt umso beunruhigender macht; → Dev Murphy verwendet sorgfältige Linienarbeit, um wunderschön ausgearbeitete Bilder zu schaffen, aus denen die Wörter organisch hervorzugehen scheinen, selbst wenn sie sich auf etwas beziehen, das nicht auf der Seite steht. Ich könnte noch so viele andere nennen. Aber unabhängig von der Form, die die Zeichen auf der Seite haben, entwickelt sich zwischen ihnen ein sorgfältiger Tanz, der die Seite kinetisch und in Bewegung erscheinen lässt. Ich fühle mich von diesem unruhigen Rumpeln angezogen, weil es die Leser dazu bringt, Fragen zu stellen und sich zu wundern; sie könnten sich mit etwas auf eine Weise verbinden, die sie vorher nicht kannten.

Natürlich finde ich genau diese Zwischenräume, die du erkundest, interessant. Für mich selbst ist das Konzept des Zwischenraums auch ein produktives, und ich umschreibe meine Arbeit immer wieder als Zeichnungen “zwischen den Zeilen”. Eines deiner Bücher trägt den Titel “In Between”. Welche Themen erkundest du darin? Welches (thematische) Dazwischen erforschst du?

Alle Gedichte in “In Between” befassen sich mit dem Thema Verlust. Meine Comic-Praxis begann mit dem Tod meiner Mutter (wie in dem Gedicht “September”) und konzentriert sich jetzt weitgehend auf den Verlust im Zusammenhang mit der Klimakrise (wie in der Serie “The Extinction Limericks”). Genau wie Du sagst, kann das “Dazwischen-Sein” produktiv und generativ sein – und ich denke, dass es wichtig ist, Trauer als eine andauernde Erfahrung des Übergangs zu verstehen und nicht als etwas, das man schnell überwinden kann, vor allem, wenn wir uns den anhaltenden Verlusten im Zusammenhang mit dem Klimawandel mit Sorgfalt, Verständnis und Hoffnung nähern wollen. Als ich mir den Titel für “In Between” ausdachte, dachte ich an das, was wir im Comic-Medium die “Gutter” nennen – den Raum zwischen den Panels, in dem die Magie stattfindet. Es ist ein Raum, der dem Leser die Hand reicht und ihn fragt: “Was gehört hierher?”, “Welcher Zusammenhang besteht zwischen einer Tafel und der nächsten?”, “Welche Beziehung besteht zwischen diesem Bild und jenem Bild oder Wort?”. Das Medium Comic regt das Engagement und die Vorstellungskraft de Leser*innen an und lädt sie in ganz besonderem Maße dazu ein ein, Teil des Aufbaus der Welt und der Bedeutungserstellung des Werks zu sein. Ich möchte nie, dass meine Leser*innen es eilig haben, diese Zusammenhänge zu erkennen und dann weiterzugehen. Ich möchte, dass sie sich im “Dazwischen” wiederfinden und von diesem unbestimmten Raum der Ungewissheit und Möglichkeit aus durch die Seite navigieren. Die Verwendung von Collagen und geschnittenem Papier ermöglicht es mir, zusätzliche Räume für dieses “Dazwischen” zu schaffen. Wenn man zum Beispiel Papiere schichtet, um seine Bilder zu machen, gibt es ein Dazwischen unter oder unterhalb der sichtbaren Papiere, das dem Leser verborgen bleibt. Beim Collagieren alter Papiere gibt es ebenfalls Zusammenhänge, die in den Schnipseln, die Du verwendest jeweils nur angedeutet sind. Das hat zur Folge, dass man das Gefühl hat, dass etwas fehlt oder eindringlich ist, und dass die gewohnten Strategien, Verbindungen zwischen Worten und Bildern herzustellen, nicht ausreichen. Man muss sich davon lösen, dass man alle Informationen braucht, und neue Wege finden, um Verbindungen herzustellen.

Vor ein paar Tagen bin ich wieder über die Collage-Gedichte der deutschen Literaturnobelpreisträgerin Herta Müller gestolpert. Sie sagte einmal, sie schreibe Gedichte mit der Schere. Interessant fand ich vor allem, dass sie davon sprach, dass diese Arbeitsweise ihr einen besonders sinnlichen Zugang zu den Wörtern ermöglicht, da sie jedes Wort einzeln anfassen muss. Wie würdest du deinen Arbeitsprozess beschreiben? Hat er für dich auch diese sinnliche Komponente?

“Sinnlicher Zugang” ist ein guter Ausdruck, und ich spüre tatsächlich eine Art Intimität im Umgang mit den Papieren, die ich verwende. Ich ertappe mich oft dabei, wie ich das Papier zwischen meinen Fingern halte und ein Gefühl für seine Textur und sein Gewicht bekomme. Beim Schneiden von zartem Tissue oder handgeschöpftem Papier versuche ich, ein Gefühl für die Fasern zu bekommen und dafür, wie das Papier geschnitten werden will, damit es nicht einfach zerreißt. Wenn ich darauf achte, wie sich mein Skalpell zum Papier verhält – welche Geräusche es beim Schneiden von sich gibt, ob es hängen bleibt oder mehr Druck benötigt – bekomme ich ein Gefühl dafür, ob die Klinge stumpf wird und ausgetauscht werden muss. Es passiert etwas Wichtiges, wenn ich meinen Materialien Raum gebe, um zu mir zu “sprechen”; sie erzählen mir vielleicht nicht die ganze Geschichte, aber ich fange an, mich zu fragen, woher dieses Papier stammt. Wie viel Wasser wurde verwendet? Welche Bäume oder Pflanzen waren Sie? Wer waren die Arbeiter, die dich gesammelt haben? Woher kamen sie? Der Prozess kann sich meditativ anfühlen; die Zeit verlangsamt sich, und manchmal denke ich weniger über eine vorgefasste Idee nach, die ich vielleicht hatte, als vielmehr darüber, wie sich die vor mir liegenden Teile auf spontane Weise zusammenfügen. Selbst wenn ich eine sehr genaue Vorlage oder Skizze habe, mit der ich arbeite, bieten die Papiere, die ich verwende, oft eine Überarbeitung an – ich finde zum Beispiel nicht die Farbe, die ich zu verwenden gehofft hatte, oder ich sehe ein anderes Wort, das besser passt. Ich bin nach wie vor neugierig, was es bedeutet, unseren Materialien Raum zu geben, um auf uns einzuwirken. Es gibt derzeit so viele Gespräche über die Wichtigkeit, mit der nicht-menschlichen Welt “in Beziehung” zu stehen – und dazu gehören auch Land und Wasser. Kunstpraktiken (einschließlich meiner eigenen) können so extraktiv sein, und es ist so wichtig, darüber nachzudenken, was es bedeutet, mit den Materialien, die wir verwenden, in Beziehung zu stehen.

Wenn du Themen oder Motive im Kopf hast, denkst du dann eher in Comic- oder in Gedichtstrukturen ? Mit anderen Worten, was macht die Verbindung für dich so produktiv?

Das sind wirklich gute Fragen. Es fällt mir schwer, Poesie und Comics in meiner kreativen Praxis zu trennen, da sie in meinem Gehirn so verwoben und integriert sind. Es gab eine lange Zeit, in der ich mich stärker als Comiczeichnerin denn als Dichterin identifiziert habe, aber jetzt sehe ich, dass meine Ausbildung in literarischer Analyse und meine langjährige Liebe zur Poesie meinen Prozess des Comicmachens immer geprägt haben. Ich unterrichtete früher einen Kurs, in dem Studenten in die Gedichtanalyse eingeführt wurden, und viele haben es am Anfang echt gehasst. Gedichte fühlten sich für sie persönlich an, unabhängig davon, wovon sie handelten oder wie sie geschrieben waren – niemand konnte ihre subjektive Reaktion in Frage stellen, weil das Gedicht sie einfach so fühlen ließ. Aber als wir uns immer genauer ansahen, wie die Wörter in einem Gedicht angeordnet waren, warum die Zeile dort endete und wie seltsam all diese “s”-Laute waren. Ich kann Dir gar nicht sagen, wie sehr ich mich darüber gefreut habe, als ich sah, wie ihre Verärgerung in Faszination umschlug und sie erkannten, dass sie ihre Erfahrung mit dem Gedicht beibehalten, es aber auch bereichern, erweitern oder neben einem anderen Verständnis platzieren konnten. Es hat so viel Spaß gemacht, ähnliche Strategien auf andere Formen, einschließlich Comics, anzuwenden. Wir konnten über den “visuellen Reim” sprechen oder die Unterschiede und Ähnlichkeiten zwischen dem Zwischenraum in einem Comic und einer Strophe oder einem Zeilenumbruch in einem Gedicht diskutieren. Und ich liebe das Experimentieren, zu dem diese Art von Gesprächen über verschiedene Formen anregen kann – es geht also nicht darum, sich an das zu halten, was die Tradition als die richtigen Elemente eines Sonetts beschrieben hat, oder warum ein einseitiges Bild ein Comic ist oder nicht, sondern vielmehr darum, welche Ausdrucksformen zu der Frage, dem Gefühl oder der Erfahrung passen, die man vermitteln will. Sie macht uns auch auf poetische Traditionen aufmerksam, die bereits mit grafischen Formen experimentierten (ich denke hier an die konkrete Poesie), und auf Comic-Künstler, die ihre Arbeit bereits poetisch strukturierten, lange bevor der Begriff “Poetry Comix” in Gebrauch kam. Jetzt habe ich lange ausgeholt, um letztlich zu sagen, dass die Verbindung zwischen Poesie und Comics, unabhängig von Thema oder Motiv, für mich so produktiv ist, weil es letztlich um das Spiel geht und darum, zu sehen, was passiert, wenn wir anerkennen, dass Grenzen und Kategorien und die Traditionen, die wir mit ihnen verbinden, chaotisch sind und wir sie weiter durcheinanderbringen können. Diese Einmischung muss nicht immer subversiv oder gewalttätig sein – sie kann eine Form der Wertschätzung oder Erweiterung sein. In jedem Fall macht es mir so viel Freude, durch kreatives Spiel neue Sichtweisen zu gewinnen.

Kommen wir kurz auf den Begriff “Poetry Comix” zurück. Ich lese das “x” als eine absichtliche Abweichung oder Irritation. Wofür steht das “x” für dich?

Ich verwende gerne den Begriff “Comix”, weil er das Wort “mix” enthält und auf die Vermischung von Wort und Bild in diesem Medium verweist. In den Vereinigten Staaten haben die Underground-Comix-Künstler der 1960er und 70er Jahre diese Bedeutung ebenfalls verwendet. In Anbetracht meiner Vermischung von Medien scheint mir die Schreibweise passend. Er deutet auch eine Abweichung und eine Störung an. Diese frühen Underground-Cartoonisten verwendeten das Wort “Comix” auch, um ihre Arbeit von den Mainstream-Comics zu unterscheiden und um ihre “erwachsenen” Themen und Inhalte anzuerkennen. Und die Verwendung des Wortes “Comix” ist nach wie vor eine Möglichkeit, um zu signalisieren, dass ihr Ansatz am Rande steht – dass er Ideen, Perspektiven oder Formen teilt, die in den Mainstream-Kanälen keine Berücksichtigung finden. In dem Maße, in dem das Medium Comic mit all seinen Variationen in der breiteren Verlagsbranche akzeptiert wird und auch die Arbeiten von Künstlern wie R. Crumb oder Art Spiegelman in elitären Museumsräumen ein Publikum finden, wird sich die Art der Abweichung weiter verändern müssen. Vielleicht bietet das “x” eine Möglichkeit für einige Künstler, ihre Abweichung zu identifizieren, wenn sie sich dafür entscheiden. Da Elon Musk das “X” nun für sich beansprucht hat, müssen wir vielleicht einen anderen Buchstaben oder ein anderes Symbol finden?

Nimm uns ein bisschen mit in deinen kreativen Alltag. Wo kannst du besonders kreativ sein?

Ich habe gerade das Manuskript für mein nächstes Buch → “Arctic Play” (erscheint 2024 bei The 3rd Thing!) eingereicht, und so fühlt sich mein kreativer Alltag im Moment ein wenig amorph an. In meiner künstlerischen Praxis gab es einen solchen Rhythmus und eine solche Verlässlichkeit in Bezug auf dieses Buch – eine ziemlich klare Vision von dem, was getan werden musste, die sich im Laufe der Jahre, in denen ich daran gearbeitet habe, entwickelt hatte. Das Buch muss noch überarbeitet werden, und ich freue mich sehr darauf, mit dem Buch auf Lesereise zu gehen und es mit den Leser*innen zu teilen, wenn es soweit ist (das heißt, der Prozess dieses Projekts geht noch weiter). Aber es ist eine größere Umstellung, als ich erwartet hatte, von der Struktur eines Buches in den offenen Raum des “Was kommt als Nächstes?” zu wechseln. Ich mache einige Anfänge – ich probiere neue Materialien und neue Ansätze aus, und ich entwickle neue Kooperationen. Es ist eine aufregende Zeit. Ich denke, dass ich am kreativsten bin, wenn ich nicht in meinem Atelier bin. Ich liebe es, draußen zu sein, durch Wälder zu wandern, in den Bergen, weit weg von der Stadt. Meine Sinne für Orte und Lebensformen zu öffnen, die auf anderen Zeitskalen operieren und auf eine Art und Weise kommunizieren, die für mich unergründlich ist, ist für meine kreative Praxis und die Dinge, die mir am Herzen liegen, unerlässlich. Ich versuche, dieses demütige “Sich-Öffnen” mitzunehmen – nicht nur an meinen Zeichentisch, sondern auch in meine alltäglichen Interaktionen und Verständnisse. Mehr und mehr erkenne ich, dass es ebenso wichtig ist, dieses “Sich-Öffnen” an Orten zu finden, die laut, überfüllt und “gezähmt” sind – die nicht so “natürlich” erscheinen, aber immer noch mit alternativen Möglichkeiten des Seins in und der Verbindung mit dem Land summen. 

Was sind deine Inspirationen? Bücher? Gedichte? Wen würdest du als deine geistige, kreative Familie bezeichnen, wenn es so etwas gibt?

Oh, ich habe einen sehr umfangreichen kreativen Stammbaum. Kürzlich bereitete ich mich auf eine Präsentation vor, bei der ich einige meiner lebenslangen kreativen Inspirationen vorstellen sollte, und las einige Passagen aus Büchern, die ich früher sehr mochte. Ich war überrascht, wie sehr sie immer noch mit meiner heutigen Praxis übereinstimmen. All diese Texte, denen wir im Laufe unseres Lebens begegnen, bleiben mit unserem Wesen verwoben. Um diese Antwort jedoch kürzer zu halten, werde ich nur ein paar aktuelle Inspirationen und Bestrebungen nennen, die mir vor Augen stehen. Es handelt sich um Werke, die aus unterschiedlichen Gründen meine seelischen Schmerzen und Ängste lindern: Jorie Grahams jüngste Gedichtsammlung “To 2040”, W.G. Sebalds Roman-Erinnerung “Rings of Saturn” [Die Ringe des Saturn. Eine englische Wallfahrt], Nam June Paiks Videoarbeiten und die Filme von Apichatpong Weerasethakul.

Ganz zum Schluss möchte ich auch dir die Frage stellen: Zu welchem Lied sollte jeder einmal gezeichnet haben oder, wie in deinem Fall, ein Gedicht “mit Schere und Bleistift“ erstellt haben?

Eine etwas komplizierte Antwort vielleicht, die ich aber ganz aufrichtig gebe: Zu Vogelgesang. Ich war Anfang des Jahres für vier Monate in Delmenhorst, Deutschland, für ein Künstlerstipendium. Der Winter war sehr dunkel, oft regnerisch und windig. Aber jeden Morgen – und eigentlich zu fast jeder Tages- und Nachtzeit, wenn man innehielt, um zuzuhören –  sangen die Vögel mit so viel Ausgelassenheit und scheinbarer Freude, dass man gar nicht anders konnte, als mit ihren Klängen zu verschmelzen. Ich habe einmal gelernt, dass die Anatomie eines Singvogels es ihm ermöglicht, mehr als einen Ton auf einmal zu erzeugen. Erstaunlich! Und die Kakophonie so vieler verschiedener Vögel zu hören – Amseln, Rotkehlchen, Buchfinken, Zaunkönige, Spechte und so weiter – hat mich daran erinnert, dass Kommunikation so umfassend, wichtig und schön ist. Bei meinem Stipendienprojekt ging es um die biologische Vielfalt der Meere – mit Vögeln hatte das nichts direkt zu tun. Aber die verlässliche und beruhigende Gesellschaft von Vogelgesang wurde zu einem wesentlichen Bestandteil des kreativen Prozesses bei diesem Projekt. Wie wäre es, wenn unsere Kunst und unser Schreiben so vielschichtig, so harmonisch, so kakophonisch, so laut wären?

Danke liebe Mita für diesen so offenen und inspirierenden Einblick in deine Arbeit. Und liebe Mita, ich würde in diesem Fall gerne dir ein Lied schenken, das ich während des ganzen Interviews im Kopf hatte: Cosmo Sheldrake, “Cuckoo Song” auf dem Album “Wake Up Calls”.

Mehr zu Mitas Arbeiten findet ihr auf ihrer → Website oder auf Instagram → @mita_mahato. In die Arbeit → “Alligator Gut” könnt ihr euch hier reinklicken.