The first guest of the new year is Silvia Rocchi. I am extremely pleased that one of the most inspiring voices in the Italian-speaking comics scene is the start of a new season of my „In conversation with…“ series. Silvia Rocchi has dealt intensively with the form of biographical comics, presented a wonderful graphic road movie that was created „four-handed“ together with the illustrator Alice Milani and finds images for the climate catastrophe in her most recently published work → „Vuoto a Rendere“. For each of her works, she carefully explores the appropriate technical implementation and individual narrative form. But first things first. Here is the invitation to immerse yourself in the cosmos of Silvia Rocchi with this interview.

Let me begin with a personal anecdote: When I spent a few days in Verona just before the evening, I discovered your comic book about the poetess → „Alda Merini. Ci sono notti che non accadono mai“ (2019) in a small bookstore. I think I devoured it on a bench in the park without taking a single break. I had seen your work before, but I was totally fascinated by the narrative form. Would you like to introduce us to the project? How did this particular narrative form originate?

Thank you for sharing this memory with me. „Alda Merini. Ci sono notti che non accadono mai“ was born from a request from the Beccogiallo publishing house, they wanted to do a biography on Alda Merini, but they did not know which illustrator to entrust this narrative to—some time before this requirement, I had knocked on their door to show my work. They remembered me and commissioned me to do the work. I wanted to try my hand at a long comic strip, I had already done rehearsals before, and the 100-page length was a challenge that I divided into three acts, but also on different narrative levels. There is the pre-asylum, the during, and the after. But there are also two channels running parallel between the everyday life and the dream/poetic life of the protagonist. Let’s say that the need to tell something of my own, too, burst overbearingly into the poet’s life, and this comic strip is also a little piece of my life. A moment of breakup of a long relationship, a moment of transition between one way of life and another. I read and studied a lot and in some of the words I found myself completely, adhering figuratively to the metaphors that Merini loved so much. The technique is simply a very fat pencil like a 6B mixed up with colored pastels. Even the colors actually set the tone of the narrative, in the pages, blues are used at the top, grays, below, in the the mind of the poet, rather reds, vinegar, and violets are developed.

Again in more general terms, how do you find your narrative forms? Is it the material that dictates them or how do you develop your narrative form?

Whereas later, when I worked on stories of my own, especially in → „Brucia“ and → „Susi corre“ which were well edited by the publishing house, I was able to go into areas that I had explored less but still interested me, such as the strong time ellipses forward in → „Brucia“ or the storytelling totally in the past versus the protagonist’s voice in → „Susi corre“. Moreover, the latter is one of my few short stories, and I have always believed that to make good short stories, you have to be very very good. To lengthen the short story you can always do it in time, but to dry it up, get to the summary of a story, and make it remain in the reader’s head imprinted like a tattoo, is another thing. It is a different effort, but much more subtle and of prior study. I hope to do more of that in the future because ultimately it is one of my most successful stories.

Do you work with a classic storyboard or do you develop your narrative logic by drawing?

Both. Of course I need to see where the story starts, develops, unfolds, to understand it, understand how and what I want to tell and especially why. So yes, I make my own little storyboards. This is where the editorial work comes in. If the editor is there, I strive to make a well-done storyboard that gets everything across. If not, however, I go freer and try to figure it out for myself and the reader (one, at most two trusted people outside the household, otherwise it doesn’t count). It is certain that working comes to mind, solutions, needs and urgencies that are only solved by doing. I am a great believer in the moment of maximum concentration that accompanies drawing. For example, if my head is busy creating with maximum effort a landscape and so I am apparently not working on the plot of the story. I am actually in that very moment of both contraction and relaxation, I will be able to resolve a knot narrative that was hanging in the balance.

I also find the creation of → „Tumulto“ (2016) exciting: Not only does the story of two girls who set out on a journey develop an immense attraction, but the entire comic book is drawn by four hands. All the drawings were made in collaboration with Alice Milani. How did this idea come about?

The initial idea was to participate in a residency, we tried together to make an application that did not go through. We didn’t get discouraged and decided to create our own world, going to do what we both liked best at the time, going out and discovering looks, stories, memories of other countries than our own. We were out for a month and from that motorcycle trip, once we returned, we extracted the anecdotes that seemed most important to us to tell a kind of autobiography—even a bit of a fiction actually—in the style of a coming-of-age novel. These two start, each has some strengths and weaknesses, encounters will enrich the two, confirm other aspects etc. Working together is not easy. You have to be able to understand where yours ends and yours can begin the other and vice versa, you have to be respectful of each other’s work, not only at the desk but in 360 degrees. Not only that, you have to try to put yourself in the other person’s shoes, why you draw today better or worse, why she chose this thing and didn’t say it, what she needs to be comfortable with and so on, and so forth. It was not always easy, sometimes we had fun, sometimes we suffered, others we felt like queens, and others we felt like goofballs. In two the feelings and doubts that one has alone are doubled, of course. We tried.

I find the topic of „drawing together“ incredibly inspiring. How can we imagine this collaboration in practice?

In practice, it involves starting a drawing and having the other complete it and vice versa. The activity must be equal because when you have the feeling that one of the two prevails over the other, the magic vanishes. Fortunately, during the making of Tumulto, this was not the case. We cannot say otherwise about other tests we have done, I think of the collective that we had, which was called The Plot. With these other friends and collaborators we have each made in pairs, a story that can be read from many different points of view, yes. It’s about a painting, each couple worked on the plot they liked best and then passed on work. It was a huge effort because there were five books, ten artists, and period very limited amount of time to work on it. Stimulating without a doubt, but they must be found in optimal conditions for working in such an experimental way.

Your latest comic „Vuoto a Rendere“ (2023) was published a few weeks ago. Congratulations once again! In it you surprise us once again. This time did you choose a particular technique?

Thank you! I chose to work with it in monotype because it is one of the techniques that most relaxes me and concentrates at the same time. It is very nice again to see where the technique takes you, also in a narrative sense. I hope this attitude never leaves me, because it is my real engine. I can’t imagine drawing one thing always the same way just because what I have created is „my style“. This is a complicated matter, and often those who talk about style err on the side of presumption and I don’t like that. I like to experiment, in the case of „Vuoto a Rendere“ I liked to tell the end of the world in my surreal way, made up of a few encounters reduced to the bone. Of necessities. Of glances. Of love understood in a thousand ways. Of anger. Of irascibility. Of hatred understood in a thousand ways.

What is the appeal of this technique for you?

I like the surprise. I like the fact that I can see what I’m doing, but that by raising the paper there is something more. It’s like developing a photo, there’s the surprise effect. I work a lot on this in an emotional sense as well, I can’t handle the routine and the every day here, even though I I put myself methodically morning after morning at work and created rituals and habits that haunted me throughout the summer, here there is surprise. Inescapable for me.

It almost seems to me to be one of your principles to reinvent yourself artistically at a certain level with each publication, to develop further. Do you think this is simply necessary from time to time?

I think as I said above, I am simply a very restless soul. This is often a problem, but its positives are exactly that, you avoid boredom like the plague, you try to stay active and curious as much as possible to manage the overflowing emotionality. So yes, one of my antidotes is this. Surely after a while I will be perceived as the cartoonist who chooses so many different things because she can’t explore one well enough, but underneath I don’t care. I’m fine with that.

Where do you always find new inspiration for your personal form of storytelling „outside“?

The outside and the inside have to be managed well, sometimes one eats the other and we can’t quite understand whether the stories we have written are too much turned toward us or whether they can communicate something to others as well. This is the ultimate challenge. So you have to be centered, and it is so hard, too hard really. I only dedicate my centering to my daughter at this period. I say these things because my greatest form of inspiration to create a story are the feelings, the emotions I feel. For example, „Brucia“ was born out of this, I had in mind the central panel where Maria (one of the two main characters) receives the news that her partner is in an accident at work. I had this in mind because the blackness I drew is what I experienced when I learned that my father was dying. Just as with „Susi corre“, I wanted to talk about selfless kindness, and at the same time I wanted to to think about the future of what I would think about my love relationships, which is why there were developed these three figures around which I move these emotions.

Can you tell us what you are currently working on?

Before I was contacted by Il sole 24 ore (a famous newspaper in Italy) to collaborate with them on the comics series, and I then structured the story of „Vuoto a Rendere“, I was working on another another subject, made of nightmares but also human warmth. I will have to pick it up and see what happens, I feel like getting back into drawing, when I just do random things or some illustrations, I don’t feel that sense of accomplishment and objective in the long run that comics give you. In that sense I’ve been stationary since September, so it’s time to re-start.

And the obligatory final question: Which song should everyone draw to?

I love music more than anything, so it’s hard for me to name just one title.
Ballate! Guns of Navarone, Skatalites,
Sognate! I’m so tired, Fugazi,
Amate! Brucia di vita, Negazione.

You can find more about Silvia’s work → here.

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Der erste Gast im neuen Jahr ist Silvia Rocchi. Ich freue mich ungemein, dass eine der inspirierendsten Stimmen der italienischsprachigen Comicszene den Auftakt einer neuen Staffel meiner „In conversation with…“-Serie bildet. Silvia Rocchi hat sich intensiv u.a. mit der Form des biographischen Comics auseinandergesetzt, ein wunderbares graphisches Roadmovie vorgelegt, das „vierhändig“ gemeinsam mit der Zeichnerin Alice Milani entstanden ist und findet in ihrem zuletzt erschienenen Werk „Vuoto a Rendere“ Bilder für die Klimakatastrophe. Für jedes ihrer Werke lotet sie sorgsam die passende technische Umsetzung und individuelle Erzählform aus. Doch der Reihe nach. Hier die Einladung, mit diesem Interview in den Kosmos von Silvia Rocchi einzutauchen.

Erlaube mir, dass ich mit einer persönlichen Anekdote beginne: Als ich vor einiger Zeit ein paar Tage in Verona verbracht habe, entdeckte ich in einer kleinen Buchhandlung Deinen Comic über die Dichterin → „Alda Merini. Ci sono notti che non accadono mai“ (2019) in einer kleinen Buchhandlung. Ich glaube, ich habe es in einem Rutsch auf einer Bank im Park verschlungen. Ich hatte Deine Arbeit schon vorher wahrgenommen, aber ich war hier vor allem von der außergewöhnlichen Erzählform total fasziniert. Willst Du uns das Projekt kurz vorstellen? Wie kam es zu dieser Erzählform?

Danke, dass Du diese Erinnerung mit mir teilst. „Alda Merini. Ci sono notti che non accadono mai“ ist auf Anfrage des Verlages Beccogiallo entstanden, der eine Biographie über Alda Merini herausgeben wollte, aber nicht wusste, welchem Illustrator sie diese Erzählung anvertrauen sollten. Einige Zeit vor der Anfrage hatte ich schon mal bei ihnen angeklopft, um ihnen meine Arbeit zu zeigen. Sie erinnerten sich an mich und gaben das Werk in Auftrag. Ich wollte mich an einem langen Comicformat versuchen. Das habe ich davor schon einige Male versucht, aber die hundert Seiten Länge waren schon eine echte Herausforderung. Die Seiten habe ich in drei Teile und zwei verschiedene Erzählebenen aufgeteilt. So gliedert es sich in die Zeit vor dem Asyl, die Zeit währenddessen und die Zeit danach. Aber es gibt auch zwei Kanäle, die parallel laufen zwischen dem Alltag und dem Traum/poetischen Leben der Protagonisten. Man könnte sagen, dass das Bedürfnis, auch etwas von mir in die Geschichte hinein zu bringen, sich in das Leben der Poetin eingeflochten hat und so erzählt der Comic irgendwie auch ein bisschen von meinem Leben. Der Zeitpunkt, an dem eine lange Beziehung zu Ende ging, der Moment zwischen zwei Lebensabschnitten. Ich habe viel gelesen und die Texte studiert und in vielen Zeilen habe ich mich total wiedergefunden. Ich habe mich ganz real in den Metaphern befunden, die Merini so sehr liebte. Die Technik ist eine sehr simple: Ein dicker, weicher Bleistift in 6B kombiniert mit Pastellkreiden. Die in der Erzählebene verwendeten Farbtöne sind Blautöne, Grautöne, im unteren Seitenteil – auf der Gedankenebene der Dichterin – finden sich eher Rosatöne, Dunkelrot und Lilatöne.

Noch einmal allgemeiner gefragt: Wie findest Du Deine Erzählform? Gibt das Material diese vor oder wie entwickelst Du die jeweilige Erzählform?

Meine frühen Comics, sowohl der eben beschriebene, also auch der darauf folgende Comic über → Tiziano Terzani (obwohl er Italiener war, war er im Ausland viel bekannter, weil er u.a. für den Spiegel arbeitete und nach Indochina geschickt wurde) und auch mein dritter Comic über → Ettore Majorana, sind alles Biographien. Auch da kann man sich natürlich ein paar Freiheiten erlauben, im Wesentlichen aber folgt man in der Erzählform den biographischen Ereignissen. Während meiner Arbeit an den späteren Geschichten – vor allem bei der Arbeit an → „Brucia“ und → „Susi corre“, die vom Verlag gut redigiert wurden, konnte ich in Bereiche vordringen, die ich bisher weniger erforscht hatte, die mich aber dennoch interessierten, wie zum Beispiel die starken zeitlichen Ellipsen in „Brucia“ oder die völlig in der Vergangenheit liegende Erzählung in Bezug auf die Stimme des Protagonisten in „Susi corre“. Letztere ist außerdem eine meiner wenigen Kurzgeschichten. Ich habe immer geglaubt, dass man, um gute Kurzgeschichten zu schreiben, richtig gut sein muss. Eine Geschichte zu verlängern ist immer irgendwie möglich, aber eine Geschichte in aller Kürze zusammenzufassen, sodass sie sich im Kopf des Lesers wie eine Tätowierung verankert, das ist eine ganz andere Sache. Das bedarf einer ganz anderen, subtileren Arbeitsweise und vielen Vorbereitungen. Ich hoffe, dass ich in Zukunft mehr in dieser Richtung umsetzen kann, denn schließlich ist es eine meiner erfolgreichsten Geschichten.

Arbeitest Du mit einem klassischen Storyboard oder entwickelst Du Deine erzählerische Logik während des Zeichnens?

Beides. Natürlich muss ich sehen, wo die Geschichte beginnt, wie sie sich entwickelt, wie sie abläuft, um zu verstehen, was ich erzählen will und vor allem warum. Also ja, ich mache kleine Storyboards. Hier kommt dann die redaktionelle Arbeit ins Spiel. Wenn ich mit einem Lektor/Redakteur zusammenarbeite, bemühe ich mich, ein gutes Storyboard zu erstellen, durch das man den Verlauf der Geschichte versteht. Wenn das nicht der Fall ist, gehe ich freier vor und experimentiere, inwieweit ich und die Leser (eine, höchstens zwei vertrauenswürdige Personen außerhalb der Familie, sonst zählt es nicht) die Geschichte verstehen. Und natürlich kommen mir beim Arbeiten selbst dann Lösungen, Notwendigkeiten, die ich nur im Machen lösen und entwickeln kann. Ich glaube sehr an den Moment der maximalen Konzentration, der mit dem Zeichnen einhergeht. Wenn mein Kopf zum Beispiel damit beschäftigt ist, mit maximaler Anstrengung eine Landschaft zu erschaffen und ich deshalb scheinbar nicht an der Handlung der Geschichte arbeite, gelingt es mir gerade in diesem Moment zwischen An- und Entspannung einen „Erzählknoten“ zu lösen, den ich lange mit mir herum getragen habe.

Auch die Entstehung von → „Tumulto“ (2016) finde ich spannend: Nicht nur die Geschichte von zwei Mädchen, die sich auf eine Reise begeben, entwickelt eine ungeheure Anziehungskraft, sondern der gesamte Comicstrip wird von vier Händen gezeichnet. Alle Zeichnungen entstanden in Zusammenarbeit mit Alice Milani. Wie kam es zu dieser Idee?

Die ursprüngliche Idee war es, uns gemeinsam auf eine Residency zu bewerben. Das war leider nicht erfolgreich. Aber wir haben uns nicht entmutigen lassen und haben beschlossen, uns unsere eigene Welt zu schaffen, indem wir das taten, was wir beide zu der Zeit am liebsten taten: Wandern und Einblicke und Geschichten aus anderen Ländern sammeln. Wir waren einen Monat lang gemeinsam unterwegs und haben nach der Rückkehr von dieser Motorradreise diejenigen Episoden ausgewählt, die uns am geeignetsten erschienen, um eine Art Autobiographie – mit einigen fiktiven Anteilen um ehrlich zu sein – im Stile einer Comic-of-Age Geschichte zu erzählen. So starten beide. Jede hat ihre eigenen Stärken und Schwächen, die eine stärkt die andere, bestärkt andere Aspekte etc. Die Zusammenarbeit ist nicht einfach. Man muss in der Lage sein zu verstehen, wo die eigene Arbeit endet und die der anderen beginnen kann und umgekehrt. Man muss die Arbeit der anderen respektieren, nicht nur am Schreibtisch, sondern in 360 Grad gedacht. Und nicht nur das, man muss versuchen, sich in die andere hineinzuversetzen: Warum zeichnet sie heute besser oder schlechter, warum hat sie diesen Aspekt ausgewählt und nicht jenes gesagt? Was braucht die andere, um sich wohl zu fühlen und und so weiter. Es war nicht immer einfach, manchmal hatten wir Spaß, manchmal haben wir gelitten, wieder ein anderes Mal fühlten wir uns wie Königinnen, manchmal wie Trottel. Zu zweit verdoppeln sich die Gefühle und Zweifel, die man alleine eh schon hat eben. Wir haben es versucht.

Ich finde das Thema „Zusammenzeichnen“ unglaublich spannend. Wie können wir uns diese Zusammenarbeit in der Praxis vorstellen?

Ganz praktisch gesehen funktioniert es so, dass die eine die Zeichnung beginnt und die andere diese vollendet und umgekehrt. Die Tätigkeit muss völlig gleichberechtigt sein, denn wenn eine der beiden das Gefühl hat, dass die eine zu übermächtig wird, verschwindet der Zauber. Zum Glück ist das während der Arbeit an „Tumulto“ nie passiert. Das kann man von anderen Versuchen, die wir gemacht haben, nicht anders sagen, ich denke da an das Kollektiv das wir hatten und das sich „La trama“ nannte. Mit diesen anderen Freunden und Mitarbeitern haben wir jeweils zu zweit eine Geschichte geschrieben, die aus verschiedenen Blickwinkeln gelesen werden kann. Es ist ein Gemälde und jedes Paar hat an der Handlung gearbeitet, die ihm am besten gefiel, und hat dann das Werk weitergegeben. Es war ein großer Aufwand, denn es gibt fünf Bücher, zehn Illustratoren und eine sehr begrenzte Zeit, um sie zu bearbeiten. Zweifellos anregend, aber man muss nach den optimalen Bedingungen suchen, um so experimentell arbeiten zu können.

Dein neuester Comic → „Vuoto a Rendere“ (2023) wurde vor einigen Wochen veröffentlicht. Noch einmal herzlichen Glückwunsch! Darin überraschst Du uns wieder einmal. Hast Du dieses Mal eine bestimmte Technik gewählt?

Ich danke Dir! Ich habe mich für die Monotypie entschieden, weil sie eine der Techniken ist, die mich am meisten entspannt und mich gleichzeitig konzentriert. Es ist auch einfach sehr schön, zu sehen, wohin die Technik einen auch auf einer erzählerischen Ebene führt. Ich hoffe, dass mich diese Einstellung nie verlässt, denn das ist mein eigentlicher Motor. Ich kann mir nicht vorstellen, etwas immer auf dieselbe Weise zu zeichnen, nur weil das, was ich geschaffen habe, „mein Stil“ ist. Das ist eine komplizierte Angelegenheit und oft werden diejenigen, die über Stil reden, sehr anmaßend, und das mag ich nicht. Ich mag es, zu experimentieren und im Fall von „Vuoto a Rendere“ mochte ich es, vom Ende der Welt auf meine eigene, surreale Art zu erzählen, in der die Begegnungen auf das Wesentliche reduziert sind. Auf Notwendigkeiten. Auf Blicke. Auf die Liebe, die auf tausend Arten verstanden wird. Auf Wut. Auf Reizbarkeit. Auf tausendfach verstandenen Hass.

Was macht für Dich die Faszination dieser Technik aus?

Ich mag die Überraschung. Ich mag die Tatsache, dass ich sehen kann, was ich tue, aber dass beim Anheben des Papiers etwas Zusätzliches zum Vorschein kommt. Es ist wie beim Entwickeln eines Fotos, es hat den Überraschungseffekt. Ich arbeite viel daran, auch im emotionalen Sinne, ich komme mit der Routine und dem Alltag hier nicht zurecht, auch wenn ich mich jeden Morgen methodisch an die Arbeit mache und mir Rituale und Gewohnheiten geschaffen habe, die mich den ganzen Sommer verfolgt haben. Hier gibt es dann die Überraschungen. Unschlagbar für mich.

Es scheint mir fast ein Prinzip von Dir zu sein, sich mit jeder Publikation auf einer künstlerischen Ebene neu zu erfinden, sich weiterzuentwickeln. Ist das für von Zeit zu Zeit notwendig für Dich?

Ich denke, wie ich oben schon sagte, bin ich einfach eine sehr rastlose Seele. Das ist oft ein Problem, aber positiv formuliert: Man vermeidet Langeweile wie die Pest. So versucht man, so aufmerksam und neugierig wie nur möglich zu bleiben, und es gelingt, die überbordende Emotionalität in den Griff zu bekommen. Also ja, es ist eines meiner Gegenmittel. Sicher werde ich irgendwann als die Comiczeichnerin wahrgenommen werden, die so viele verschiedene Dinge wählt, weil sie eines nicht gut genug vertiefen kann. Aber im Grund genommen ist mir das egal. Damit habe ich kein Problem.

Wo findest Du neue Inspiration für Deine persönliche Form des Geschichtenerzählens im Außen?

Das Äußere und das Innere müssen gut gemanagt werden. Manchmal frisst das eine das andere auf und wir können nicht ganz verstehen, ob die Geschichten, die wir geschrieben haben, zu sehr auf uns selbst bezogen sind oder auch anderen etwas mitteilen können. Das ist die ultimative Herausforderung. Man muss also zentriert sein, und das ist so schwierig, zu schwierig. Mein Fokus gilt aktuell ganz meiner Tochter. Das betone ich, weil eigentlich meine größte Inspirationsquelle für das Schreiben einer Geschichte die Gefühle, die Emotionen, die ich empfinde, sind. So ist zum Beispiel „Brucia“ entstanden, ich hatte im Kopf die zentrale Stelle, an der Maria (eine der beiden Hauptfiguren) die Nachricht erhält, dass ihr Partner bei einem Arbeitsunfall gestorben ist. Ich hatte das im Kopf, weil die Dunkelheit, die ich gezeichnet habe, die ist, die ich erlebt habe, als mein Vater im Sterben lag. Bei „Susi corre“ hingegen wollte ich selbstlose Freundlichkeit darstellen und gleichzeitig wollte ich über die Zukunft meiner Liebesbeziehungen nachdenken, und deshalb habe ich diese drei Figuren entwickelt, um die ich diese Emotionen bewege.

Verrätst Du uns, woran Du derzeit arbeitest?

Bevor Il sole 24 ore (eine berühmte italienische Zeitung) mich kontaktierte, um mit ihnen an einer Comicserie zusammenzuarbeiten und ich dann die Geschichte von „Vuoto a Rendere“ strukturiert habe, habe ich an einem anderen Thema gearbeitet, das von Albträumen erzählt, aber auch von menschlicher Wärme. Ich muss es wieder aufgreifen und sehen, was passiert. Ich habe wieder Lust zu zeichnen. Wenn ich nur zufällige Dinge oder Illustrationen mache, fühle ich auf Dauer nicht dieses Gefühl der Erfüllung und des Sinns, das mir das Comiczeichnen gibt. In diesem Sinne habe ich seit September nicht mehr gezeichnet, also ist es Zeit, wieder anzufangen.

Und die obligatorische Schlussfrage: Zu welchem Lied sollte jeder einmal gezeichnet haben?

Ich liebe Musik über alles, es fällt mir also schwer, die hier nur einen Titel zu nennen.
Ballate! Guns of Navarone, Skatalites,
Sognate! I’m so tired, Fugazi,
Amate! Brucia di vita, Negazione.

→ Hier findet ihr mehr zu Silvias Arbeiten.

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In italiano …

Mi permetta di iniziare con un aneddoto personale: Quando ho trascorso qualche giorno a Verona poco prima della serata, ho scoperto il tuo fumetto sulla poetessa „Alda Merini“ (2019) in una piccola libreria. Credo di averlo divorato su una panchina del parco senza fare una sola pausa. Avevo già visto i suoi lavori, ma sono rimasta totalmente affascinata dalla forma narrativa. Vuole presentarci il progetto? Come è nata questa particolare forma narrativa?

Grazie di aver condiviso con me questo ricordo. Ci sono notti che non accadono mai, nasce da una richiesta della casa editrice Beccogiallo, volevano fare una biografia su Alda Merini ma non sapevano a quale disegnatore affidare questa narrazione, qualche tempo prima di questa loro esigenza, avevo bussato alla loro porta per mostrare il mio lavoro. Si ricordarono di me e mi commissionarono il lavoro. Io volevo cimentarmi con un fumetto lungo, avevo già fatto delle prove in precedenza e la lunghezza delle cento pagine fu una sfida che divisi in tre atti, ma anche su diversi livelli narrativi. C’è il pre manicomio, il durante e il dopo. Ma ci sono anche due canali che scorrono paralleli tra la vita quotidiana e la vita onirica/poetica della protagonista. Diciamo che la necessità di raccontare anche qualcosa di mio, irruppe prepotentemente nella vita della poetessa e questo fumetto è anche un pezzetto della mia vita. Un momento di rottura di una lunga relazione, un momento di passaggio tra un modo di vivere e l’altro. Lessi e studiai molto e in alcune parole mi ritrovavo completamente, aderivo in modo figurativo alle metafore che Merini amava molto. La tecnica è semplicemente una matita molto grassa come una 6B confusa con i pastelli colorati. Anche i colori in effetti danno il tono del racconto, nelle pagine, nella parte superiore sono usati i blu, i grigi, sotto, nella mente della poetessa, si sviluppano piuttosto dei rossi, vinaccia, violetti.

Ancora una volta in termini più generali, come trova le tue forme narrative? È il materiale a dettarle o come sviluppa la sua forma di narrazione?

Per quanto riguarda i miei primi lavori, questo appena descritto, quello successivo su Tiziano Terzani (nonostante fosse italiano e molto più conosciuto all’estero e soprattutto in Germania, perché lavorava per il Der Spiegel – ufficio di Amburgo – inviato in Indocina), e il terzo che ho fatto su Ettore Majorana, sono biografie e dunque anche se ci sono delle libertà che si possono prendere, la forma narrativa seguirà comunque lo sviluppo della vita (o magari anche solo di una parte) del protagonista. Mentre successivamente, quando ho lavorato a storie mie, specialmente in „Brucia“ e „Susi corre“, che hanno avuto un buon editing da parte della casa editrice, sono riuscita ad andare in zone che avevo esplorato meno ma che mi interessavano comunque, come le forti ellissi temporali in avanti in „Brucia“, o il racconto totalmente nel passato rispetto alla voce della protagonista in „Susi corre“. Inoltre quest’ultimo è uno dei miei pochi racconti brevi e ho sempre creduto che per fare dei buoni racconti brevi, bisogna essere molto molto in gamba. Ad allungare il racconto si fa sempre in tempo, ma ad asciugare, arrivare alla sintesi di una vicenda e farlo restare nella testa del lettore impresso come un tatuaggio, è altra cosa. È un impegno diverso, ma molto più sottile e di studi preventivi. Spero di farne altri in futuro in questo senso perché in definitiva è una delle mie storie meglio riuscite.

Lavora con uno storyboard classico o sviluppa la sua logica narrativa disegnando?

Entrambe. Naturalmente ho bisogno di vedere dove inizia, si sviluppa, si snoda la storia, per capirla, capire come e cosa voglio raccontare e soprattutto perché. Quindi sì, mi faccio dei piccoli storyboard. Qui entra in scena il lavoro editoriale. Se l’editor è presente, mi sforzo di fare uno storyboard ben fatto che faccia capire tutto. Se invece non è così, vado più libera e cerco di capirci io e chi legge (una, al massimo due persone di fiducia fuori dal nucleo familiare, altrimenti non vale). È sicuro che lavorando vengono in mente, soluzioni, necessità e urgenze che si risolvono solo facendo. Credo molto nel momento di concentrazione massima che accompagna il disegno. Ad esempio, se la testa è impegnata a creare con massimo sforzo un paesaggio e quindi non sto apparentemente lavorando alla trama del racconto, in realtà proprio in quel momento di contrazione e insieme rilassatezza, riuscirò a risolvere un nodo narrativo che stava in sospeso.

Trovo emozionante anche la creazione di „Tumulto“ (2016): Non solo la storia di due ragazze che partono per un viaggio sviluppa un’immensa attrazione, ma l’intero fumetto è disegnato a quattro mani. Tutti i disegni sono stati realizzati in collaborazione con Alice Milani. Come è nata questa idea?

L’idea iniziale era di partecipare a una residenza, provammo insieme a fare un application che non andò in porto. Non ci scoraggiammo e decidemmo di creare un nostro mondo, andando a fare quello che all’epoca ci piaceva di più a entrambe, andare in giro e scoprire sguardi, racconti, ricordi di altri paesi che non fossero il nostro. Siamo state un mese fuori e da quel viaggio in moto, una volta tornate, abbiamo estratto gli aneddoti che ci sembravano più importanti per raccontare una sorta di autobio – anche un po’ ficition a dire il vero – in stile romanzo di formazione. Queste due partono, ognuna ha dei punti di forza e delle debolezze, gli incontri arricchiranno le due, confermeranno altri aspetti ecc. Lavorare insieme non è semplice. Devi essere capace di capire dove finisce il tuo e può iniziare l’altro e viceversa, devi essere rispettoso del lavoro altrui, non solo alla scrivania ma a 360 gradi, non solo, bisogna provare a mettersi nei panni dell’altro, perché oggi disegna meglio o peggio, perché ha scelto questa cosa e non l’ha detto, di cosa ha bisogno per stare a suo agio e via dicendo. Non è stato sempre semplice, a volte ci siamo divertite, altre abbiamo sofferto, altre ancora ci siamo sentite regine, altre delle rimbambite. In due le sensazioni e i dubbi che si hanno da soli, si raddoppiano, ovvio. Ci abbiamo provato.

Trovo il tema del „disegnare insieme“ incredibilmente stimolante. Come possiamo immaginare questa collaborazione nella pratica?

Nell’atto pratico, si tratta di iniziare un disegno e farlo completare all’altro e viceversa. L’attività deve essere totalmente paritaria, perché quando si ha la sensazione che uno dei due prevarichi l’altro, la magia svanisce. Fortunatamente durante la lavorazione di Tumulto non è mai successa. Non si può dire altrimenti di altre prove che abbiamo fatto, penso al collettivo che avevamo, che si chiamava La trama. Con questi altri amici e collaboratori abbiamo realizzato ciascuno in coppia, una storia che può essere letta da tanti punti di vista diversi, si tratta di un quadro, ciascuna coppia lavorava alla trama che più preferiva e poi si passava il lavoro. È stata una fatica immane perché i libri sono cinque, dieci disegnatori e un periodo molto limitato di tempo su cui lavorarci. Stimolante senza dubbio, ma devono essere trovate le condizioni ottimali per lavorare in maniera così sperimentale.

Il tuo ultimo fumetto „Vuoto a Rendere“ (2023) è stato pubblicato qualche settimana fa. Congratulazioni ancora una volta! In esso ci sorprendi ancora una volta. Questa volta ha scelto una tecnica particolare?

Grazie! Ho scelto di lavorarci in monotipo perché è una delle tecniche che più mi rilassa e mi concentra al tempo stesso. È molto bello anche in questo caso vedere dove ti porta la tecnica, anche in senso narrativo. Spero che questa attitudine non mi abbandoni mai, perché è il mio vero motore. Non riesco ad immaginare di disegnare una cosa sempre allo stesso modo solo perché quello che ho creato è il „mio stile“. Questa è una faccenda complicata e spesso chi parla di stile pecca di presunzione e non mi piace. Mi piace sperimentare, nel caso di „Vuoto a Rendere“ mi è piaciuto raccontare la fine del mondo a modo mio, surreale, fatta di pochi incontri ridotti all’osso. Di necessità. Di sguardi. Di amore inteso in mille modi. Di rabbia. Di irascibilità. Di odio inteso in mille modi.

Qual è il fascino di questa tecnica per te?

Mi piace la sorpresa. Mi piace il fatto di vedere quello che sto facendo, ma che alzando il foglio c’è un qualcosa in più. È come sviluppare una foto, c’è l’effetto sorpresa. Lavoro molto su questo anche in senso emotivo, non riesco a gestire la routine e la quotidianità, qui, anche se mi sono messa metodicamente mattina dopo mattina al lavoro e ho creato dei riti e delle abitudini che mi perseguitavano per tutta l’estate, qua c’è la sorpresa. Imprescindibile per me.

Mi sembra quasi un suo principio quello di reinventarsi artisticamente a un certo livello con ogni pubblicazione, per svilupparsi ulteriormente. Pensa che questo sia semplicemente necessario di tanto in tanto?

Penso come dicevo sopra, di essere semplicemente un animo molto inquieto. Questo è spesso un problema, ma i suoi lati positivi sono esattamente questi, si evita la noia come la peste, cerchiamo di restare attivi e curiosi il più possibile per gestire l’emotività che trabocca. Quindi sì, uno dei miei antidoti è questo. Sicuramente dopo un po’ verrò percepita come la fumettista che sceglie tante cose diverse perché non ne sa esplorare una abbastanza bene, ma sotto sotto non mi importa. Mi va bene così.

Dove trova sempre nuove ispirazioni per la sua personale forma di narrazione grafica „all’esterno“?

L’esterno e l’interno vanno gestiti bene, qualche volta uno mangia l’altro e non riusciamo bene a capire se le storie che abbiamo scritto siano troppo rivolte verso di noi o se possono comunicare qualcosa anche ad altri. Questa è la sfida massima. Perciò bisogna essere centrati, ed è tanto difficile, davvero troppo. Io la mia centratura la dedico solo a mia figlia in questo periodo. Dico queste cose perché la mia forma di ispirazione maggiore per creare una storia sono i sentimenti, le emozioni che provo. Per esempio „Brucia“ è nato da questo, avevo in mente la tavola centrale in cui Maria (una delle due protagoniste) riceve la notizia che è morto il suo compagno in un incidente sul lavoro. Avevo in mente questo perché il nero che ho disegnato è quello che ho vissuto quando ho saputo che mio padre stava morendo. Così come per „Susi corre“, volevo raccontare la gentilezza disinteressata e allo stesso tempo avevo voglia di pensare al futuro a che cosa avrei pensato delle mie relazioni amorose, per questo si sono sviluppate queste tre figure intorno alle quali muovo queste emozioni.

Può dirci a cosa sta lavorando attualmente?

Prima che mi contattasse Il sole 24 ore (giornale famoso in Italia) per collaborare con loro alla collana comics, e che quindi strutturassi la storia di Vuoto a Rendere, stavo lavorando ad un altro soggetto, fatto di incubi ma anche di calore umano. Dovrò riprenderlo e vedere cosa succede, ho voglia di rimettermi a disegnare, quando faccio solo delle cose random o delle illustrazioni, non sento quel senso di compiutezza e obiettivo alla lunga che ti dà il fumetto. In questo senso sono ferma da settembre, quindi è ora di ri-iniziare.

E la domanda finale obbligatoria: quale canzone avrebbero dovuto ascoltare tutti almeno una volta?

Sono una grande appassionata di musica, non riesco a darti un solo titolo! Almeno una volta nella vita?
Ballate! Guns of Navarone, Skatalites,
Sognate! I’m so tired, Fugazi,
Amate! Brucia di vita, Negazione.

Credits Titelbild: Silvia Rocchi