Ping pong in comics, an autobiographical search for traces in Canada, curatorial activities on the subject of graphic storytelling—all points of contact for a conversation with the Vienna-based comic artist Vinz Schwarzbauer. Last year, Vinz published „Mäander“ in → Edition Moderne to great acclaim. A comic that is characterized by detailed black and white drawings, a variety of social issues and, above all, an innovative form of image-text relationship. He has also worked as an illustrator for → Falter, → Burgtheater Wien and → Der Standard, among others. I am delighted that Vinz is part of the „In conversation with…“ series and giving an insight into his work here. 

First of all, a very personal question to start with: How did you start the new year after what must have been an intense and exciting last year? Are you already working on new projects? What does your everyday (drawing) life currently look like?

Since the publication of → „Mäander“ in April, things have been relatively quiet in terms of drawing. I’ve done a few small illustration jobs and two short comics. I’ve also been working part-time as an art teacher at a grammar school since September. And I’m doing research again for a possible larger project.

Last year, your comic debut „Mäander“ was published by → Edition Moderne. On a formal level, i.e. on a narrative level, it fascinated me and aroused my curiosity from the very first time I leafed through it—while I was still in the bookshop. Can you tell us about the central theme of the story from your perspective?

„Mäander“ tells the story of a migration across three generations. My great-aunt fled from Hungary to Austria with her husband and children in 1956 during the uprising and then emigrated to Canada. The story is based on oral history; I traveled to Canada and interviewed two children and two grandchildren of my great-aunt, who has since passed away. One of these grandchildren has an indigenous mother and told me a lot about the history of Canada’s indigenous population. So the central themes are flight and migration, experiences of alterity, racism and discrimination, colonialism and cultural genocide. I was fascinated by how much historical and socio-political material is contained and can be told in the fate of a single small family.

How did you find your narrative voice in this very personal project?

The book is divided into two narrative levels. The majority is made up of the interview episodes with my relatives. As a connecting narrative element between the interviews, I recount my journey to Canada and the search for my relatives. There had been virtually no contact with this part of the family since the escape in 1956 and I didn’t know what to expect there. It could have been that my relatives didn’t want to know anything about me and I would have had to leave without having done anything. Fortunately, things turned out quite differently and I came back with much more exciting material than expected. I made this journey as a kind of road movie in which I, accompanied by my mother, drive through Canada and visit and get to know four of my relatives. I told the story from my own perspective and tried to capture my own impressions and moods. There is a lot of Canadian landscape to see, which impressed me a lot, the endless roads through endless forests, the gigantic lakes and the exciting flora and fauna. And last but not least, I drew my relatives as I personally perceived and got to know them. In the interview episodes, I hand over the narrative voice to the interviewees. Here I used one-to-one interview text that I recorded on location and drew along with it. I took the liberty of drawing the ideas and images I had while listening relatively freely. Of course, I also did a lot of research and made sure that the pictures fit in with the period and tried not to make any gross historical mistakes. I also had a lot of old family photos for reference. Nevertheless, I wanted to leave a certain fictional and subjective quality to the oral recollections and also give space to my own imagination. The imprecise, hazy and adventurous memories from the characters‘ childhood in particular stimulated my imagination and I really enjoyed turning them into pictures. The same goes for the indigenous Anishinabek culture in Canada, which plays a major role in one of the episodes. However, it was also important to me to shed light on the cruel history of colonialism and cultural genocide in the treatment of Canada’s indigenous population and to research it in detail. That is why there are also footnotes throughout the book that explain the specific context of what is shown in more detail.

In particular, the way I dealt with the text layer and the decision to consistently separate it from the panels was incredibly convincing and opened up new spaces for me. How did this decision come about?

The idea came relatively late in the process. Originally, the text was integrated into the pages. I had finished about 100 pages and was only just in contact with my current publisher, Edition Moderne. Julia and Claudio from the publishing house’s management team are both also graphic designers and enjoy working closely with the authors. The idea first came from them. We thought that the first pages were somehow too dense and they approached me with the idea. Normally, I’m rather reluctant to interventions in the design of my comics and prefer to do everything by myself, but in this case I liked the idea and found the exchange fruitful. The result was a completely new reading experience that also formally takes up the interview situation.

To what extent do you plan text and drawing together? Or are text and image development completely different processes?

That varies from project to project. Sometimes I also start with an image. I’ve just made a short comic, completely without text, for the comic anthology → Spross. The starting point was an abandoned beach bar on the Danube that I cycled past. It had only been empty for a short time and had a rather quirky architecture. I took some reference photos with my cell phone and quickly came up with a story, but I don’t want to give too much away just yet. In this case, I started directly with a storyboard. When I do research-based work, I always start with the text. Either I have a text that I can use, as with „Mäander“, or I write down the rough plot in simple sentences. At the same time, I make a few sketches and character sketches. Then I organize the whole thing narratively and make a storyboard. Then I implement the storyboard. It’s actually quite classic anyway. What I’m not good at is drawing spontaneously, I do a lot of preparatory work.

You have published a whole series of great zines in which the topic of „table tennis“ plays a major role. This has resulted in the → „Herta & Hüne“ series. More generally, how do you find your topics?

My topics always have to have something to do with me. I find it difficult to invent stories just like that, I either need my own experiences to build on or I research a topic that interests me. In the case of „Herta & Hüne“, it was my own experiences with table tennis in Vienna. Two good friends once signed up for an amateur tournament with the nonsense names Herta and Hüne. Nobody remembers how they came up with it. The two of them taught me how to play table tennis back then and the three of us often played together in various parks and tournaments as Team „Herta & Hüne“. For fun, we invented a kind of legend around this team, my role was that of the student. I then took it up and spun it into a comic series. At the time, I was also very inspired by the manga Ping Pong by Taiyo Matsumoto, one of my favorite artists. „Herta & Hüne“ is a comic that I do more for myself, because I enjoy it. And as an exercise in storytelling. I also like to work with true stories that I research and adapt into fiction.

And if I know correctly, table tennis also plays a role in your next graphic novel project. Can you tell us a little about it?

There is a very old table tennis hall in Langegasse in Vienna. In the entrance area there is a display case with ancient rackets and photos of Trude Pritzi and Richard Bergmann. Hardly anyone remembers that the two were world champions. That was in the 1930s. Both lived around the corner from Langegasse, were friends and played there regularly. The table tennis scene in Vienna was very Jewish at the time. Bergmann was Jewish and had to emigrate to England after the Anschluss. He played for England from then on. Pritzi stayed in Vienna and competed internationally for Nazi Germany. I would like to tell the story of the two in parallel. In addition to the action-packed table tennis matches, I am particularly interested in the aspect of friendship and how the political upheavals of the time influenced it. My impression from the research I’ve done so far is that there was a very close, friendly table tennis community in Langegasse at the time, with many Jewish players, which was then violently torn apart. After the war, Pritzi was very cautiously critical of Nazi socialism. Why? I would like to fill in such gaps with fiction, so it’s not supposed to be a purely historically accurate story. But at the moment I’m still in the research phase, so we’ll see what comes of it.

Why should we all play more table tennis?

In Vienna they would say „Da kommen die Leut zam.“ (That’s where people come together.) Table tennis is a very social sport. I’ve been playing table tennis more or less regularly for about 15 years, either in the park or in various clubs. On the one hand, the sport is very low-threshold, a beginner’s racket doesn’t cost much and there are outdoor tables in every other park in Vienna. On the other hand, it takes a lot of practice and skills to reach a certain level. It quickly becomes addictive once you have hit your first topspin correctly. The back and forth at the table also represents a kind of dialog, which I like.

No big surprise—the last question for you too: Which song should everyone have drawn to at least once?

I love drawing to soundtracks by Joe Hisaishi. Among other things, he is the in-house composer for Studio Ghibli. But I almost prefer the soundtracks he did for Takeshi Kitano in the 90s. My favorite for drawing is the soundtrack to „A Scene at the Sea“.

Thank you dear Vinz for your time and the exciting insight into your work!

Click → here to go to Vinz’s website, where you can get an insight into other projects.

•••

Ping Pong im Comic, eine autobiographische Spurensuche nach Kanada, kuratorische Tätigkeiten rund um das Thema des Graphischen Erzählens – alles Anknüpfungspunkte, um mit dem in Wien lebenden Comiczeichner Vinz Schwarzbauer ins Gespräch zu kommen. Vinz publizierte im vergangenen Jahr vielbeachtet „Mäander“ in der → Edition Moderne. Ein Comic, der durch detailreiche Schwarzweiß-Zeichnungen, eine Vielzahl von gesellschaftlichen Fragestellungen und vor allem durch eine innovative Form der Bild-Text-Beziehung fasziniert. Als Illustrator arbeitete er außerdem u.a. schon für den → Falter, das → Burgtheater Wien und → Der Standard. Ich freue mich, dass Vinz Teil der „In conversation with…“-Reihe ist und hier Einblick in seine Arbeit gibt.

Zunächst ganz persönlich und direkt zum Einstieg: Wie bist Du nach einem sicher intensiven und aufregenden letzten Jahr in das Neue Jahr gestartet? Sitzt Du schon an neuen Projekten? Wie sieht aktuell Dein (Zeichen-)Alltag aus?

Seit dem Erscheinen von „Mäander“ im April war es zeichnerisch relativ ruhig. Ein paar kleine Illustrationsjobs und zwei Kurzcomics sind entstanden. Außerdem arbeite ich seit September in Teilzeit als Kunstlehrer an einem Gymnasium. Und ich recherchiere wieder für ein mögliches größeres Projekt.

Eben, letztes Jahr ist Dein Comicdebüt → „Mäander“ in der → Edition Moderne erschienen. Sowohl auf formaler Ebene, also auf der Erzählebene, hat es mich gleich beim ersten Blättern – noch in der Buchhandlung – fasziniert und neugierig gemacht. Kannst Du uns aus Deiner Perspektive das zentrale Thema der Erzählung vorstellen?

„Mäander“ erzählt die Geschichte einer Migration über drei Generationen hinweg. Meine Großtante ist 1956 während dem Volksaufstand mit ihrem Mann und ihren Kindern aus Ungarn nach Österreich geflohen und im Anschluss nach Kanada emigriert. Die Erzählung basiert auf Oral History, ich bin nach Kanada gereist und habe zwei Kinder und zwei Enkelkinder meiner inzwischen verstorbenen Großtante interviewt. Einer dieser Enkel hat eine indigene Mutter und hat mir sehr viel über die Geschichte der indigenen Bevölkerung Kanadas erzählst. Zentrale Themen sind also Flucht und Migration, Alteritätserfahrungen, Rassismus und Diskriminierung, Kolonialismus und kultureller Genozid. Mich hat fasziniert, wie viel großer geschichtlicher und gesellschaftspolitischer Stoff im Schicksal einer einzelnen kleinen Familie steckt und erzählt werden kann.

Wie hast Du Deine Erzählstimme in diesem ja auch sehr persönlichen Projekt gefunden?

Das Buch ist erzählerisch in zwei Ebenen unterteilt. Den Großteil machen die Interviewepisoden mit meinen Verwandten aus. Als verbindendes erzählerisches Element zwischen den Interviews erzähle ich meine Reise nach Kanada und die Suche nach meinen Verwandten nach. Es gab seit der Flucht 1956 so gut wie keinen Kontakt mehr zu diesem Teil der Familie und ich wusste nicht was mich dort erwartet. Es hätte auch sein können, dass meine Verwandten nichts von mir wissen wollten und ich ungetaner Dinge wieder hätte abreisen müssen. Zum Glück kam es aber ganz anders, ich kam mit viel mehr spannendem Material zurück als erwartet. Diese Reise habe ich als eine Art Roadmovie gestaltet, in der ich in Begleitung meiner Mutter durch Kanada fahre und dabei vier meiner Verwandten besuche und kennenlerne. Hier habe ich ich aus meiner Perspektive erzählt und versucht, meine eigenen Eindrücke und Stimmungsbilder festzuhalten. Es ist viel kanadische Landschaft zu sehen, die mich sehr beeindruckt hat, die endlosen Straßen durch endlose Wälder, die gigantischen Seen und die spannende Tier- und Pflanzenwelt. Und nicht zuletzt habe ich meine Verwandten gezeichnet, wie ich sie persönlich wahrgenommen und kennengelernt habe. In den Interviewepisoden übergebe ich die Erzählstimme an die Interviewten. Hier habe ich eins zu eins Interviewtext verwendet, den ich vor Ort aufgenommen habe, und dazu gezeichnet. Dabei habe ich mir die Freiheit genommen, die Vorstellungen und Bilder, die ich während dem Zuhören hatte, relativ frei zu zeichnen. Natürlich habe ich auch viel recherchiert und darauf geachtet, dass die Bilder in die Zeit passen und versucht, keine groben historischen Fehler zu machen. Ich hatte auch viele alte Familienfotos zur Verfügung als Referenz. Trotzdem wollte ich den mündlich erzählten Erinnerungen eine gewisse fabulierende und subjektive Qualität lassen und auch meiner eigenen Vorstellungswelt Raum geben. Gerade die ungenauen, verschwommenen und abenteuerlichen Erinnerungen aus der Kindheit der Figuren haben meine Fantasie angeregt und mir richtig Spass bei der Umsetzung in Bilder gemacht. Genauso die indigene Kultur der Anishinabek in Kanada, die einer der Episoden eine große Rolle spielt. Hier war es mir aber auch ein Anliegen, über die grausame, von Kolonialismus und kulturellem Genozid geprägte Geschichte im Umgang mit der indigenen Bevölkerung Kanadas aufzuklären und genau zu recherchieren. Deshalb gibt es ergänzend im Buch auch immer wieder Fußnoten, die den konkreten Kontext zum Gezeigten genauer erläutern.

Insbesondere der Umgang mit der Textebene und die Entscheidung, diese immer wieder konsequent von den Panels zu trennen, hat mich unglaublich überzeugt und mir selbst neue Räume aufgemacht. Wie kam es zu dieser Entscheidung?

Die Idee dazu entstand erst relativ spät im Prozess. Ursprünglich war der Text in den Seiten integriert. Ich hatte in etwa 100 Seiten fertig und war gerade erst in Kontakt mit meinem jetzigen Verlag Edition Moderne. Julia und Claudio vom Leitungsteam des Verlags sind beide auch Grafikdesigner:innen und arbeiten gerne eng mit den Autor:innen zusammen. Die Idee kam zuerst von ihnen. Wir fanden, dass die ersten Seiten irgendwie zu dicht waren und die beiden kamen dann mit der Idee auf mich zu. Normalerweise bin ich eher zurückhaltend, was gestalterische Eingriffe in meine Comics betrifft und will lieber alles selbst machen, aber in dem Fall gefiel mir die Idee und ich empfand den Austausch als fruchtbar. So entstand eine ganz neue Leseerfahrung, die auch formal die Interviewsituation aufgreift.

Wie weit planst Du Text und Zeichnung zusammen? Oder sind die Text- und Bildentwicklung gänzlich unterschiedliche Prozesse?

Das ist von Projekt zu Projekt verschieden. Manchmal gehe ich auch von einem Bild aus. Gerade habe ich ein Kurzcomic, ganz ohne Text, für die Comic-Anthologie → Spross gemacht. Ausgangspunkt war ein verlassenes Strandlokal an der Donau, bei dem ich vorbeigeradelt bin. Es war erst seit kurzem leerstehend und hatte eine recht schräge Architektur. Ich habe einige Referenz-Fotos mit dem Handy gemacht und dazu ist mir recht schnell eine Story eingefallen, aber ich will noch nicht zu viel verraten. In dem Fall habe ich jedenfalls direkt mit einem Storyboard gestartet. Wenn ich recherchebasiert arbeite, beginne ich immer mit dem Text. Entweder ich habe wie bei „Mäander“ einen Text, den ich verwenden kann, oder ich schreibe mir die grobe Handlung in einfachen Sätzen auf. Parallel mache ich schon ein paar Skizzen und Figuren-Entwürfe. Dann ordne ich das Ganze narrativ und mache ein Storyboard. Dann setze ich das Storyboard um. Eigentlich eh recht klassisch. Was mir nicht liegt, ist spontan drauf los zu zeichnen, ich mache schon recht viel Vorarbeit.

Du hast eine ganze Reihe von großartiges Zines publiziert, in denen das Thema „Tischtennis“ eine große Rolle spielt. Daraus ist eine ganze Reihe, die → „Herta & Hüne“-Reihe entstanden. Allgemeiner gefragt: Wie findest Du Deine Themen?

Meine Themen müssen immer etwas mit mir zu tun haben. Ich tue mir schwer damit, Geschichten einfach so zu erfinden, ich brauche entweder eigene Erfahrungen, auf denen ich aufbauen kann oder recherchiere ein Thema das mich interessiert.
Im Fall von „Herta & Hüne“ waren es meine eigenen Erfahrungen mit Tischtennis in Wien. Zwei gute Freunde haben sich mal zu einem Amateur-Turnier mit den Nonsens-Namen Herta und Hüne angemeldet. Niemand weiß mehr, wie sie darauf gekommen sind. Die beiden haben mir damals das Tischtennisspielen beigebracht und wir sind sehr oft zu dritt in diversen Parks und Turnieren zu dritt als Team „Herta & Hüne“ aufgetreten. Zum Spaß haben wir um dieses Team eine Art Legende erfunden, meine Rolle war die des Schülers. Die habe ich dann aufgenommen und als Comicserie weitergesponnen. Ich war damals auch sehr inspiriert vom Manga Ping Pong von Taiyo Matsumoto, einem meiner Lieblingszeichner. „Herta & Hüne“ ist ein Comic, den ich mehr für mich mache, weil es mir Spaß macht. Und als Übung im Erzählen von Geschichten. Sonst arbeite ich auch gerne mit wahren Geschichten, die ich recherchiere und fiktional bearbeite.

Und wenn ich es richtig weiß, spielt Tischtennis auch in Deinem nächsten Graphic Novel-Projekt eine Rolle. Kannst Du uns da schon ein wenig was verraten?

Es gibt in Wien eine sehr alte Tischtennishalle in der Langegasse. Dort steht im Eingangsbereich eine Vitrine mit uralten Schlägern und Fotos von Trude Pritzi und Richard Bergmann. Kaum jemand weiß mehr, dass die beiden Weltmeisterin und Weltmeister waren. Das war in den 1930er Jahren. Beide wohnten ums Eck der Langegasse, waren befreundet und spielten dort regelmäßig. Die Tischtennis-Szene in Wien war damals sehr jüdisch geprägt. Bergmann war Jude und musste nach dem Anschluss nach England auswandern. Er spielte ab da für England. Pritzi blieb in Wien und trat international für Nazideutschland an. Ich möchte die Geschichte der beiden parallel erzählen. Dabei interessiert mich, neben den actionreichen Tischtennismatches, vor allem der Aspekt der Freundschaft und wie die politischen Verwerfungen dieser Zeit darauf Einfluss nahmen. Mein Eindruck durch die bisherige Recherche ist, dass es zu dieser Zeit eine sehr enge freundschaftliche Tischtennis-Community in der Langegasse gab, mit vielen jüdischen Spieler:innen, die dann gewaltsam auseinandergerissen wurde. Pritzi hat sich nach dem Krieg nur recht verhalten kritisch zum Nazionalsozialismus geäußert. Warum? Solche offenen Stellen möchte ich dann fiktional schließen, es soll also keine rein historisch korrekte Geschichte werden. Im Moment bin ich aber noch in der Recherchephase, mal sehen was daraus wird.

Warum sollten wir alle mehr Tischtennis spielen?

In Wien würde man sagen „Da kommen die Leut zam.“ Tischtennis ist ein sehr sozialer Sport. Ich spiele seit ungefähr 15 Jahren mehr oder weniger regelmäßig, entweder im Park oder in verschiedenen Vereinen Tischtennis. Dabei habe ich viele Menschen kennen gelernt, die ich sonst nie getroffen hätte, aus allen Altersgruppen und Gesellschaftsschichten. Der Sport ist einerseits sehr niederschwellig, ein Einsteiger-Schläger kostet nicht viel und Outdoortische gibt es in Wien in jedem zweiten Park. Andererseits braucht es, um ein gewisses Niveau zu erreichen auch viel Übung und Skills. Es macht schnell süchtig, wenn man mal seinen ersten Topspin richtig geschlagen hat. Das Hin-und-Her am Tisch repräsentiert auch eine Art von Dialog, das finde ich schön.

Keine große Überraschung – auch an Dich zuletzt die Frage: Zu welchem Song sollte jeder einmal gezeichnet haben?

Ich zeichne sehr gerne zu Soundtracks von Joe Hisaishi. Er ist unter anderem der Hauskomponist von Studio Ghibli. Ich mag aber fast noch lieber die Soundtracks, die er für Takeshi Kitano in den 90ern gemacht hat. Mein Favorit zum Zeichnen ist der Soundtrack zu
„A Scene at the Sea“.

Danke lieber Vinz für Deine Zeit und den spannenden Einblick in Dein Arbeiten!

→ Hier geht es zur Website von Vinz, wo Ihr Einblicke in weitere Projekte bekommt.

Credits Titelbild: Clara Högel